Oceanator is New York-based musician Elise Okusami’s solo indie rock project who released their debut LP Things I Never Said on Big Scary Monsters in August of 2020. Radio Radius‘ Milo Schärer met with Elise by Zoom to discuss Things I Never Said and Oceanator’s upcoming livestream shows.
Milo Schärer: Thank you so much for taking the time to do this interview with Radio Radius!
Elise Okusami: Yeah, sure. Thank you so much for having me, thank you for reaching out.
First, we’re going to talk a bit about the album you released last year, Things I Never Said, which was definitely one of my favorites last year, so congratulations on a great release.
Thank you so much!
What was it like for you to release you debut album with the whole situation of not being able to tour behind it and everything else?
It was weird. We had a lot of talks before deciding to go ahead and release it about whether we should push it back until we would be able to tour, but it was supposed to come out in 2019 and then there had been some stuff going on and I didn’t want to sit on it any longer, so we just went for it. It was definitely strange to be talking about it and seeing people’s reactions just completely online from the computer, and not be in a room with people and playing the songs for them and seeing and feeling that reaction. It was overall a good experience, just much different.
Well, I’m glad to hear it was still a good experience despite the obvious difficulties. You released the first single, A Crack in the World, for the album in June, I think, or something like that.
Yeah, end of June.
Why did you choose that song as the first single?
I thought that it was a good introduction to the record and the sound and the themes of the record. A lot of the songs are kind of about the end of the world and that one is no exception, but it’s also a fun song that kind of grabs you right away. It’s just a good power-pop kind of rock song, so I thought it would be a good one to introduce the record to people with.
Yeah, sure. As you mentioned, it has the theme of the end of the world, as does the second single, I Would Find You, there you have the lyric if the sun never came up tomorrow, how long do you think it would take us to notice. I just wanted to ask what inspired that particular imagery for you.
When I wrote the lyrics to that song I was working in a restaurant. I was doing that up until the pandemic. I would work a lot of super late nights and after work you hang out with your co-workers a little bit, and because our hours were shifted to like 12:00 or 1:00 or whatever, we’d be hanging out until like 2:00 or 3:00. It’s kind of hard to go to sleep right after work, no matter what time that is. So, especially in the winter, we’d sleep until it was already almost getting dark, before having to go into work again. So, I was just kind of thinking about if something terrible happened and the sun wasn’t coming up, would we know that it wasn’t…
Ok, interesting to know. Could you maybe repeat the last bit? For me it cut off the last sentence or something that you said.
Sure. Where was I? I was just thinking about how because we were sleeping pretty late, because you know, staying up late, sleeping late, going to work. By the time we were going to work, it was already getting dark outside, so if something happened where the sun wasn’t going to come up, we might not know, because we were sleeping through it anyway.
I’d like to ask you about one more song off the album, because I think it’s my favorite song. Could you tell us a bit about Walk with You?
Sure. It’s funny that that’s your favorite, I’m glad you like that one. That’s kind of the surfy, chill, 50s pop song. The guitar for it just kind of came out really quickly. I was just kind of playing around and that little riff started playing. The rest of it just kind of wrote itself. It’s just kind of about being there for people when you’re having a hard time too and just two people having a hard time trying to help the other one as best they can.
Ok. In addition to your album, you released a few cover songs last, like Fugazi and Dead Kennedys, maybe there are some more. Which one of the covers you released is your favorite and why?
That’s funny, I forgot we even did the Fugazi one, that one was super fun. I think maybe my favorite, my friend Bartees and I did a split singles thing that was a fundraiser that we put out on a Bandcamp day. I did a cover of a Sam Cooke song, A Change Is Gonna Come, and I think that one might be my favorite because I love that song very much and the process of making that little split was super fun. But then probably my second favorite would be the Dead Kennedys one, because that one was just super fun to play and record. I played on the instruments on that, I had a really good time.
I’ll check out the split, because I’m actually not familiar with that one yet.
It’s a Bandcamp-only release, so it wasn’t everywhere.
Sure. Next week you’re going to do a couple of livestream shows, do you want to quickly give us an overview of what they are so that the readers who want to can check that out?
Absolutely. We’re doing seven days, it’s a tour, but we’re all going to be at home. We’re playing every night in a different city, which means we’re going to decorate the stage differently for every show and we’re doing covers. We’re doing two covers each night and Maneka, the band that’s playing before us, is doing some covers every night too, of bands from those cities. We’re just going to try to make every night a little bit different, so it’s fun, and play some new stuff, play some older stuff we don’t usually play and just try to have a good time on the internet pretending we’re on tour. We’re doing little drink specials every night so that people at home are watching can, if they want to, go out and buy whatever the drink special is and pretend we’re all in the venue together. Just trying to make it fun.
Yeah, sure. I watched a few of your other livestreams this year, I think you did some 90s and Green Day cover sets in the spring, and one regular livestream on Bandcamp. Are these upcoming livestreams going to be different from those livestreams that you’ve done so far?
This one is going to be similar to the Bandcamp one that you might have watched. It’s going to be full band, so Tony and Andrew are going to be coming down, negative test results pending, but we’ve all been hiding away so it should be good. They’re going to come down, we’re going to play as a full band, which we’ve only done for the record release show and that Bandcamp stream, so we’ve only done it twice, but now we get to do it seven days in a row. It should be cool. We’re doing it out of my brother’s studio, so the sound should be really nice too. It’s going to be more of a show than the Green Day and 90s cover sets, which is just me popping online and having a good time.
I got my tickets for the shows already, so I’m definitely looking forward to it. My last question is, since I watched one of your Green Day cover sets, if you had to choose, what are your five favorite Green Day songs?
Oh gosh. Ok, Christie Road for sure, off of Kerplunk. There’s so many. Christie Road, I really like Stuart and the Ave., from Insomniac, Redundant, off of Nimrod. What should I pick? Who Wrote Holden Caulfield?, which is on one of the earlier records, and maybe She from Dookie. Those are my top 5, right now, off the top of my head.
All right, nice choices.
Thank you. What are your top 5? Do you like Green Day?
Yeah. I think Redundant and Christie Road would be on my list too. At the Library from the very first album, When I Come Around and One Of My Lies.
One Of My Lies is so good too. Those are good choices too.
Thanks. I guess that’s it for my questions, thanks for taking the time to do this.
Of course. Thank you again, it was cool to hear from someone so far away.
The Deadnotes sind eine Emo-Pop Band aus Freiburg im Breisgau mit Sänger/Gitarrist Darius Lohmüller, Sänger/Bassist Jakob Walheim und Schlagzeuger Yannic Arens. Sie haben im vergangenen Februar ihr neustes Album Courage auf ihrem eigenen Label 22Lives Records veröffentlicht. Milo Schärer von Radio Radius hat per Skype mit Darius über das neue Album wie auch die Auswirkungen der Corona-Krise auf DIY-KünstlerInnen gesprochen.
Milo Schärer: Ich habe mir heute dein Livestream-Konzert auf Facebook angehört und es hat mir sehr gefallen. Wie war es für dich, so zu spielen?
Darius Lohmüller: Sehr ungewohnt war es auf jeden Fall. Ich bin tatsächlich allgemein so ein bisschen skeptisch. Ich finde das eine super nette Idee, gerade Livestreams zu machen, aber tatsächlich in dem extremen Ausmass, wie das gerade stattfindet, wird es mir persönlich auf jeden Fall ein bisschen zu viel, wenn jeder Künstler anfängt, dem nicht mal Konzerte abgesagt wurden, jetzt plötzlich ein Livestream zu machen, weil das halt so ist. Ich dachte eigentlich, die Leute haben vielleicht gar nicht mehr so Bock darauf und gleichzeitig war es genau anders rum. Also, es gab ein riesiges Feedback und ich weiss nicht, wie viele Menschen das laut Facebook angeschaut haben. Das hätte ich gar nicht so gedacht und ich hätte mir mehr Mühe gegeben, wenn ich das gewusst hätte. Ich hatte auf jeden Fall sehr viel Spass.
Das ist schön zu hören. Ihr habt ja wie viele Bands wegen der aktuellen Corona-Situation Tourdaten absagen müssen. Wie geht ihr mit dieser Situation um?
Tatsächlich ist das ganz schwer zu beantworten. Wir waren mitten auf einer Tour, als das ganze aufkam. Wir haben tatsächlich die letzte Show noch in der Schweiz gespielt, und da war schon die ganze Zeit die Stimmung so völlig unklar, ob weiter Konzerte stattfinden können. Wir waren auch super gestresst von der Situation, weil wir immer Konzert gespielt und auch gewusst haben, die Leute wissen nicht, ob die Show jetzt stattfindet oder nicht. Gleichzeitig versuchten wir mit allen anderen Veranstaltern zu kommunizieren. Als dann der Moment kam, wo irgendwie klar war, alles ist abgesagt, war es eher mal eine Erleichterung, weil wir konkret wussten, was Sache ist. Aber gleichzeitig, jetzt gerade im Moment, wir versuchen das Beste daraus zu machen, wie jetzt ein Livestream oder ein paar schöne nette Specials auszudenken, aber wir sind schon alle sehr mitgenommen, sowohl privat wie auch als Band durch diese Tourabsage, die natürlich Pläne innerhalb von einer Minute durcheinander wirft, die seit weit über einem Jahr eigentlich so gemacht und ausgearbeitet wurden.
Ja klar, ist sicher eine merkwürdige Situation für alle Beteiligte. Ihr seid eine DIY-Band, ihr habt eure Platte auf eurem eigenen Label veröffentlicht und organisiert alles selber. Inwiefern ist die Situation für eine DIY-Band wie euch anders als für grössere Acts, die ebenfalls Tourneen absagen müssen?
Zuerst einmal, das DIY-Ding versuche ich immer zu trennen bei uns. Wir sind in der Hinsicht auf jeden Fall eine DIY-Band, das wir so viel wie irgendwie geht selber machen. Wir machen unser eigenes Booking, wir haben das eigene Label, so künstlerisch, Artwork, Musik natürlich machen wir komplett selbstständig. Allerdings im kommerziellen Sinne würde ich uns nicht als DIY-Band bezeichnen. Wir versuchen schon, einigermassen wirtschaftlich sinnvoll zu arbeiten, so dass für uns vielleicht mal irgendwie Geld herausspringt, was viele dann immer schon kritisieren, dass das nicht mehr als DIY bezeichnet werden sollte, wenn es kommerzieller wird. Allerdings, für eine Band wie uns, die natürlich gerade viel machen will, die alles selbstständig arbeitet und doch nicht ein Standing hat wie eine grosse Agentur, die mit Riesenkünstler arbeitet, habe ich gerade die Befürchtung, dass es gerade vielen Bands so gehen wird, dass jetzt alle grossen Agenturen und Künstler, die halt wirklich Veranstaltern Geld bringen, auf das sie jetzt angewiesen sind, unter relativ einfachen Umständen ihre Shows umlegen auf den Herbst und Winter. Das ist auch gut so, aber dadurch werden natürlich sämtliche Plätze eingenommen, die auch kleineren, nicht kommerzielleren Bands oder allgemein kleineren Bands zur Verfügung stünden sonst. Das ist schon auf jeden Fall eine Befürchtung, oder auch ein Gedanke, den ich habe, wird dann auch eine nicht-kommerzielle oder mindestens kleinere Subkultur ziemlich kaputt gemacht?
Es ist sicher eine schwierige Situation und ich kenne jetzt auch vom Radio her ein paar Bands in den USA, in denen die Leute neben der Band im Service arbeiten. Für eine solche Band ist das natürlich eine sehr harte Situation.
Genau, im Prinzip trifft es uns auch gerade so sehr direkt. Ich und mein Bandkollege Jakob haben die Arbeit verloren durch die Situation aktuell. Ich wurde gekündigt, er hat aktuell keine Arbeit mehr, weil das Restaurant, in dem er sonst nebenjobbt, geschlossen wurde. Ich arbeite auch in der Vernstaltungsbranche und da kann man aktuell sowieso nichts machen. Es geht sehr Vielen so, da natürlich viele Musiker selber als Nebenjob oder auch als Hauptberuf in einem ähnlichen Gebiet tätig.
Erst mal mein Beileid. Das führt zu meiner nächsten Frage: was können denn Fans tun, um euch oder andere Bands in dieser Situation zu unterstützen?
Ja, da wurde schon sehr viel gesagt, denke ich. Ich glaube, das beste ist, in der Zeit wieder die guten, alten Plattenverkäufe oder Merchandiseverkäufe anzukurbeln. Klar, natürlich hilft, das Album zu streamen, da kommt aber ganz wenig rum. Bands hilft es am meisten, wenn physische Produkte gekauft werden. Wenn Leute das gerade umso bewusster tun, dann freuen sich alle darüber. Trotzdem glaube ich auch, kann ich noch mal für uns sagen, wir sind alle super blöd getroffen sowohl als Band wie auch privat, aber wir sind alle noch genug privilegiert, um die Situation, na ja, einigermassen gut überleben zu können. Es gibt natürlich Menschen, auch unabhängig von der Musik, die da gerade auf jeden Fall viel mehr Hilfe bräuchten, sei es viele Obdachlose, die nicht einfach mal zuhause bleiben können. Ich finde es sehr wichtig, da nicht nur Bands direkt zu unterstützen, sondern auch einfach allgemein zu hinterfragen und zu recherchieren, wo es gerade im ganzen System Problematiken gibt.
Das sehe auch so. Trotzdem würde ich gerne auch noch als letzte Frage zur Corona-Situation fragen, ob es sonst noch Bands gibt, die du kennst, die im Moment besonders Unterstützung brauchen könnten.
Ui, ich glaube, die Liste würde komplett den Rahmen sprengen. Ich kenne gerade wirklich fast keine Band, der nicht irgendwie ganz krasse Pläne durchkreuzt wurden oder, die natürlich auch jetzt finanziell in einer super schwierigen Situation sind. Ich will da gar keine Namen nennen, denn die Liste wäre wirklich viel zu lange und da kann ich gerade niemanden mehr hervorheben und will niemanden benachteiligen.
Alles klar. Dann sprechen wir doch ein Bisschen über eure Musik. Ihr habt gerade ein Video zu Ghost on the Ceiling veröffentlicht. Kannst du mir vielleicht etwas zu diesem Lied sagen?
Na klar. Er ist tatsächlich der allerletzte Song, der überhaupt für diese Platte entstanden ist und wurde auch tausend verschiedene Richtungen von uns ausgearbeitet, und war ursprünglich auch super, super lang mit ganz jazzigen Teilen zwischendrin. Wir haben uns irgendwann ganz am Schluss im Studio selber, in England, wo wir aufgenommen haben, dazu entschieden, den möglichst kurz, prägnant und einfach in-your-face zu machen, worüber wir mittlerweile sehr happy sind. Das passt eigentlich auch ganz gut zum Inhalt, es ist ein Song über gerade diese Momente, in denen man sich sehr überstürzt oder schnell für was entscheidet, wo man sich gedrängt fühlt durch irgendwas Unbestimmtes, was im Raum steht, möglichst schnell eine Entscheidung zu erzwingen oder sich für irgendwas zu entscheiden, was einen oft nicht längerfristig an den Punkt bringt, wo man eigentlich sein will.
Ich möchte noch über ein paar mehr Songs auf eurer letzten Platte Courage. Das Lied Never Perfect thematisiert Mental Health, und ich nenne es jetzt so, weil es nicht unbedingt einen guten deutschen Begriff dafür gibt. Wieso wolltet ihr dieses Thema ansprechen?
Eigentlich genau aus dem Grund, den du sagst. Es gibt nicht einmal einen wirklich gescheiten deutschen Begriff dafür und gerade das zeigt ja schon, wie will man grösser über Thema sprechen, wenn es dafür nicht einmal eine Bezeichnung dafür gibt, die jeder allgemeiner verstehen kann. Das ist etwas, das wir als Musiker sehr stark wahrnehmen, dass Mental Health und sich damit auseinandersetzen eine sehr grosse Rolle spielt, weil du einen ganz extrem inkonstanten Alltag hast, weil du immer wieder auf Tour oder in anderen Situation unter extremem Druck und in extreme Stresssituationen gebracht wirst kombiniert mit beispielsweise zehn Stunden Fahrt noch nebenher und dein privates Leben super abgeschottet wird so einem langen Zeitrahmen, in dem man unterwegs bist. Viele Musiker oder Menschen, gerade in unserem Umfeld, die in der Musikindustrie arbeiten, haben zunehmend psychische Probleme oder man hört immer wieder sehr stark davon, und trotzdem spricht niemand wirklich offen darüber. Wir wollten das versuchen mit der Platte zu machen, offener darüber zu sprechen und aufmerksam darauf zu machen, dass es insbesondere in dem Bereich, wo wir uns zumindest auskennen, Musik und auch ganz vielen anderen, ein Thema ist, das viel mehr Präsenz braucht. Ich glaube, man kann da Dinge nur verbessern, wenn man für sich selber und für Menschen um sich herum darüber spricht, wenn man gemeinsam sich damit auseinandersetzt, wie kann ich ihn schwierigen damit umgehen, was kann ich anderen weitergeben.
Ja, auf jeden Fall. In diesem Zusammenhang spendet ihr auch ein Teil eurer Einnahmen von der Platte an Help Musicians und Ni9ht H3lps. Was machen diese Organisationen?
Es sind zwei Organisationen, eine aus England, Help Musicians, und Ni9ht H3lps aus Deutschland. Beide Organisationen machen grundsätzlich sehr ähnliche Arbeit. Sie schaffen Aufmerksamkeit für genau dieses Thema mit ganz explizit genauem Fokus auf Menschen, die in der Musikbranche arbeiten oder selber Musiker sind und bieten aktiv Workshops an, in denen sie Menschen beraten. Da sind wir auch wieder dabei. In England ist das Thema einfach schon viel verbreiteter in jeglichen Gesellschaftsschichten. Dort habe die eine super schöne Sache gestartet, und zwar eine 24 Stunden Helpline, sozusagen eine Seelsorge Hotline, die man anrufen kann, wenn man dringend Hilfe und jemanden zum Sprechen braucht. In Deutschland, wie schon gesagt, da gibt es solche Sachen noch nicht, dort wird viel weniger darüber gesprochen. Umso schöner ist es, dass es hier auch eine Organisation gibt, die in diese Richtung arbeitet. Wir haben sehr lange recherchiert, tatsächlich, mit wem wir das machen wollen und es war gar nicht so einfach, Leute zu finden, die da gute Arbeit und wichtige Arbeit machen.
Ich möchte noch zu einem Song fragen und zwar zu Hopeless Romantic, ein Song, der vielleicht in eine etwas politischere Richtung geht als euer restliches Material. Was wolltet ihr mit diesem Lied sagen?
Allgemein ist es uns super wichtig, in der heutigen Zeit als politische Band da zu stehen. Als Band zu sagen, oder allgemein als Mensch überhaupt zu sagen „ich bin unpolitisch, das geht mich nichts an“ finde ich etwas ganz Furchtbares und total bescheuert. Und gerade als Band, die eine gewisse Platform sowieso hat, finde ich das in der heutigen Zeit, wo so viel passiert, sehr, sehr wichtig, sich politischen Themen zu widmen, auch wenn wir in einer Musikrichtung unterwegs sind, die oft stigmatisiert wird als sehr unpolitisch oder nur auf emotionale Themen beschränkt. Mit dem Song haben wir zusammengefasst, es geht uns nicht um eine politische Thematik, aber es ging uns darum zu sagen, es passiert so viel Scheisse auf der Welt, sei es viele Sachen, die gerade untergehen, was in Griechenland auf Lesbos abgeht, wo 25’000 Menschen im Lager gefährdet sind, während in Griechenland selber Menschenansammlungen von, glaube ich, fünf oder zehn Leuten verboten sind. Das sind alles Themen, die präsent sind, wo man dringend was ändern muss und wo wir der Meinung sind, dass, wenn man da viel mehr gemeinsam daran arbeiten würde, Dinge sich auch aktiv verändern können. Allerdings nicht, wenn jeder an seiner eigenen Sache arbeitet und sich gegenseitig kritisiert.
Auf jeden Fall. Noch eine letzte Frage: wir haben viel über die Corona-Thematik gesprochen und ihr ja schon ein paar von euren Tourdaten neu eingeplant. Wann man euch wieder live sehen?
Das ist natürlich eine gute Frage und ich wünschte, ich könnte die eine sichere Antwort darauf geben, aber die hat gerade niemand. Wir spielen ab Ende Mai offiziell wieder live, wenn sich bis dahin irgendwas getan hat, das weiss keiner aktuell. Ansonsten sind wir gerade daran, oder haben auch schon, einige Konzerte, die jetzt abgesagt wurden, vor allem unsere Touren in Frankreich und England, auf den Herbst zu schieben, und wir sind auf jeden Fall im September in diesen Ländern auf Tour. Wir haben unsere Freiburg Hometown-Release-Show auf den 27. November geschoben. Ich sage es mal so, wenn alles gut läuft, sind wir ab Ende Mai unterwegs, aber da das niemand weiss, der Herbst wird auf jeden Fall eine intensive Zeit für alle, und da gibt es uns, glaube ich, mehr als genug oft zu sehen.
Mannequin Pussy are a band Philadelphia, Pennsylvania in the US consisting of singer/guitarist Marisa Dabice, guitarist/keyboardist Athanasios Paul, bassist Colins Rey Regisford and drummer Kaleen Reading. They have released three studio albums and are capable of playing both blistering, chaotic hardcore punk and lush, melodic pop songs. Milo Schärer from Radio Radius met with Marisa Dabice before their show with The Menzingers and Spanish Love songs at Dynamo in Zurich on January 29th to discuss their most recent album Patience and more.
Milo Schärer: How would you describe Mannequin Pussy with five words?
Marisa Dabice: Aggressive, chaotic, romantic, impulsive, stoned? I don’t know.
Alright, sounds good. My first question is not about your music per se, but a tweet from your band’s twitter. You said that you feel like bands used to just exist when you pressed play on their records and now there’s so many different platforms for them. So, my question is: how do you feel that affects you as an artist?
I mean, I definitely see the use of it. All these platforms, they’re useful tools for connecting and getting people to know about your music, but I think for most artists, it’s not within our nature to be so constantly revealing and constantly connecting. Your creative space is supposed to be where you share your thoughts and opinions, not online all the time. So, I think it’s kind of draining and in some respects, it’s kind of stupid that we’re expected to do this. But I mean, it can be fun too, you know? There’s definitely positives and negatives to it. But when I was younger, I couldn’t look up a band’s Instagram account and send them a DM. They only existed when I listened to their record.
Right. So, you put out your most recent album Patience last year on Epitaph. Was your experience releasing an album on Epitaph different from your last two albums, which I believe were released on Tiny Engines?
Yeah, it was completely different. I mean, where to begin? It’s just very different going from a small DIY label who’s just in the business of manufacturing a physical record versus working with a label like Epitaph, who has the resources to develop more of your artistic ideas. So, this was the first time we had budgets to create music videos and spend more on album art and more of a creative direction. It was a completely different type of support that we’ve never experienced before.
Alright. You worked with Will Yip as your producer for the album. What was it like working with him?
Will is great because he’s so obsessive. I really like people who are workaholics. I’m very drawn to those sorts of people and Will’s just someone who cares so much about each song as it comes. So, meeting someone who cares as much as the four members of our band is rare, because usually the four of us are the ones who care the most. But meeting Will was like meeting this other person who just has this intense desire to bring out the best of each one of us as musicians.
Sounds good. Now I’m just going to ask about some of the songs on the album, if that’s ok. First, Fear/+/Desire, what’s that about?
A bad relationship. I think it’s pretty obvious what it’s about, so I don’t like to talk about it.
Alright. Now a heavier song, what could you tell us about F.U.C.A.W.?
That’s a really fun one to play. That’s one that in America people definitely enjoy screaming those lyrics with us. I mean, it’s really aggressive and chaotic and kind of fits into those five descriptors you asked me to say is Mannequin Pussy. I kind of feel like F.U.C.A.W. is a new evolution for us and it’s just really fun.
So, it’s the song that best has all the elements of your band?
Maybe minus the romantic. Minus the romanticism, it’s got all the other elements.
I also want to ask you about Drunk II, not what it’s about because I feel like it’s been written about a lot already. I feel like it’s gotten a really positive reception, I guess, and it’s been covered a lot. How did that feel for you?
Honestly, it was quite validating to go through that experience and write a song about it that feel so connected to and that people love and enjoy that song so much. I think any time you can take a situation or experience that has a lot of pain and sadness with it and transform it into something that becomes beautiful, that people can connect to, I think is a validating experience, to know that this song helps people through what they’re going through just as I was going through it. I heard from one fan that they’ve never had their heart broken but now they can’t wait to. And I was like: “I don’t think you want your heart to be broken like this. But I’m glad it got you excited for a new life experience.”
I mean, if that’s one positive aspect of it I guess that’s good. You also made a music video for that song. Where did you get the idea for the concept of that video?
It was really just pulled exactly from my life at the time that I was going through this experience. I think everything I write about in the song is real, it really happened. I was just going out every night, drinking everything I could, then maybe going home with a stranger and not enjoying the experience at all. And then I’d find myself crying at home later on in the night, wanting so badly to emotionally connect to another person, but being unable to, just not feeling comfortable around anyone because I was just so sad. So, I wanted to do a story that was just the same person going out again and again, but add a little bit of fantasy to it, which is why we added the tunnel of love in it, and everyone’s kind of dressed up in much more of a way than anyone in Philadelphia ever dresses up. So, adding that little bit to it, I think, helped to tell the story.
Yeah, I guess it does fit the lyrics. This is always my last question. If you want, of course, you can try some of this Fernet Branca. I don’t know if you’ve had it before, but let me know what you think.
Thank you very much! This whole bottle?
You guys can keep the bottle.
Thank you, this is very nice. I think it will be perfect after dinner and after the set, so thank you so much Milo. It’s a cool bottle. Is that a globe on it?
Yeah.
So, we just have to put some fire on it and then it’s just like the album cover.
I haven’t thought about it like that but I guess it’s true. Have you had it before?
No. Have you already been sipping on this bottle? It’s open.
Well, I did an interview with Greg from The Menzingers before, so…
So, Greg already drank this bottle?
I think we put it in cups before, so I think nobody has had it directly from the bottle.
Ok, cool, yeah. I’m paranoid about Coronavirus or whatever. Should I grad some cups for us then?
Alright.
Cheers! That was really good! That was really nice.
The Menzingers are a punk rock band from Scranton, Pennsylvania in the US consisting of singer/guitarists Greg Barnett and Tom May, bassist Eric Keen and drummer Joe Godino. They have released six studio albums and are one of the most popular bands in their genre of the last decade. Milo Schärer from Radio Radius met with Greg Barnett before their headlining show at Dynamo in Zurich on January 29th to discuss their most recent album Hello Exile and more.
Milo Schärer: I usually start off with this question. How would you describe your band in five words?
Greg Barnett: In five? Describe our band in five words, interesting. I’m going to repeat a couple, I guess, but I’m going to say a really, really fun band.
Alright, can’t argue with that. On this tour, you’re touring with Spanish Love Songs and Mannequin Pussy. Last time I saw you, you brought PUP and Cayetana along. All great opening acts. How do you pick your opening acts for big European tours like this?
We’re really lucky because the bands we like also want to go on tour with us, so how do we pick them? We just kind of all talk about what we’re listening to and the bands that we’re interested in and we kind of just ask and hope they say yes. We’ve known Mannequin Pussy for a little bit, so we have a connection with them, but never met Spanish Love Songs before, so it’s really exciting to have them out on this tour too.
On the topic of Spanish Love Songs, a lot of people have said that they sound like you guys and there’s memes about it. Do you think that’s true?
I don’t know. I don’t think so. We definitely have similarities, I guess, you could say, but I don’t know. It’s cool and flattering I guess.
Ok, now let’s talk a bit about your actual music. You released your last album Hello Exile last year. In general, it’s more flat-out rock than punk, for a lack of a better way to describe it. Is there any particular reason for this stylistic change?
I wouldn’t say there’s a particular reason, but I would say that it’s more in tune to what the four of us are influenced by currently and the kind of music that we listen to. We never wanted to be a band that just continued to write what people would consider to be typical stylistic Menzingers songs. We want to constantly be changing, constantly be doing new things. We just wanted to write something that, in 20 years, when you look at our catalogue, there’s albums and you can go “ok, that was that album, that was this, that was that” and things don’t all just blur together, if that makes any sense. It wasn’t necessarily that we were trying to go down a different road or do anything like that, we just wanted to be honest with ourselves and the kind of music we were listening to at the time.
Sure, makes sense. Could you tell us a bit about the story behind the title track?
Yeah, sure. I was working on the title track lyrically for a while when we first started the album and one day at practice we all kind of came up with the instrumentation for it. That kind of sparked the creativity for the lyrics of that song. I really wanted to make sure that musically, emotionally and lyrically everything kind of intertwined together. I was reading the short story by Anton Chekhov about people that are vacationing in Yalta and they fall in love, but then they have to go back to their lives. It really hit me and resonated with the kind of town that I grew up in. I grew up in a small vacation town and people were coming and going in my life a lot. I felt a big connection with that idea of existing in a place where people are constantly coming and going. I wanted to take the influences from my life and build a story around it. So yeah, that’s kind of where the song came from. And then that became the title of the album just because it has a lot of central themes of being away from ones you love, trying to figure out who you are as a person, trying to escape things from your past and move forward and start fresh. It kind of became the central theme of the album.
You released Anna as the first single from the album. Why did you start out with that song?
I would say that we all just kind of sat down with Epitaph and our management, and everybody was asking what a good single to release would be. I think everybody kind of agreed with Anna as the first single to go for the album. I think it’s one of the catchiest songs, it’s one of my favorites on the album. We just thought it would be a good representation of where the band is going and where it’s been.
I’m not sure if you’re the right person for my next question, I think Tom wrote this one, but I’ll ask anyways. I read an interview with you guys, in VISIONS I think it was, and I was really interested when I read that Last To Know is about epigenetics because I’m a biology student. What about that field interested you, or I guess Tom?
You know, I wish I could answer that question but I guess it would have to be one for Tom. Just speaking of that song in general, I’ve always loved it. I remember when he first came to practice and showed us the first verse and the chord progression and I fell in love with it. He kept going back home and working on the lyrics and really finessing exactly what he wanted to says. I think the third verse kind of does it’s best to facilitate everything of the whole storyline of the song. But I’d have to leave that question to him, but personally it’s one of my favorites on the album and I really like all the lyrics on it too.
One of my favorites on the new album is Strawberry Mansion, so I’m going to ask you what that one’s about too. I thought it had some interesting lyrics too.
Yeah sure. That’s another Tom one, so I can’t go too deep on a lyrical basis but I do know from conversations with him it’s about global warming, it’s about climate change. It’s about the inability of humans to focus on the issues because capitalism drives you other ways. I think it’s very scary the kind of things that if we leave unchecked could happen to our planet. Yeah, I guess that song is kind of nihilistic in that sense.
Your last album is called Hello Exile and you’ve covered Death or Glory by The Clash recently. Without reading too much into this, are you planning on calling it quits or slowing it down anytime soon?
No, absolutely not. We love doing the band and it’s our life’s passion. I never would read into it that far. Death or Glory is probably one of our collective favorite Clash songs and we were thinking of what a fun cover it would be. Hello Exile is a term. It doesn’t sum up the trajectory of the band as more so the emotional state as we were writing it.
Alright, fair enough. Some people have suggested that, so I wanted to ask you that. For the last question, if you want, you can try this Fernet Branca. I don’t know if you’ve had it before.
Yeah, many times. I’m a big fan. I love Fernet Branca. It’s not from Switzerland, right? It’s from Italy?
Yeah, it’s from Italy. There’s a backstory to it. It’s just really polarizing, so I’ve been collecting opinions on it.
Sure. Let me grab a cup right here. I could tell you a lot about Fernet Branca. Well, I don’t know about how much. But we have some dear friends that work in the restaurant industry and Fernet Branca is the go-to shot of choice for our friends who work in bars. I like to hang out in bars, I like to hang out with my friends that work in their bars and typically, when they want to have a shot, we’ll have Fernet Branca. It’s a good choice. What do you think, do you like it?
Hallo zusammen, ich bin Milo und mach bei Radio Radius die Sendung Milo Goes To College, in der ich versuche, das beste aus der Welt der alternativen Musik zu zeigen. Dort habe ich bereits in der letzten Ausgabe dieses Jahres etwas zu meinen persönlichen musikalischen Favoriten aus 2019 gesagt. Die Sendung läuft aber am Samstag Morgen und ich finde, das auch SpätaufsteherInnen diese fantastische Songs hören sollten. Deshalb wollte ich auch noch diesen schriftlichen Beitrag mit euch teilen. Ich habe hier 25 LPs wie auch 10 Nicht-LP-Veröffentlichungen, die mir dieses Jahr besonders gut gefallen haben, ausgewählt und rangiert. Vielleicht sieht eure Liste ganz anders auch, vielleicht habt ihr gar keine, und das ist ganz cool so. Alle 35 KünstlerInnen hier haben es aber auf jeden Fall verdient, auf euren Lautsprechern ganz laut gespeilt zu werden. Viel Spass damit, und lasst mich auf unserer Facebook-Seite oder so auf jeden Fall auch wissen, falls ich etwas verpasst habe!
Top 10 EPs und Singles
10. storm – Now We Are Here
Mit ihrer EP Now We Are Here sorgen die Zürcher storm für Wirbel in der Schweizer Punk-Szene. Ihr “Floral Punk” orientiert sich an den Epi-Fat-Sound der 90er-Jahre, sie schmeissen aber noch Orgelklänge in den Mix. Wieso tun dies eigentlich nicht mehr Punk-Bands?
9. Jail Socks – It’s Not Forever
Es gibt zwei Varianten von Midwest Emo: den Punk-Pop à la Promise Ring und den jazzigen Math-Rock von American Football. Jail Socks kommen zwar aus dem Südosten und nicht dem mittleren Westen der USA, aber sie kombinieren diese beiden musikalischen Ausrichtungen auf ihrer EP It’s Not Forever zu einer erfrischenden Neuauflage des klassischen Emos. Klar, es gibt mittlerweile schon sehr viele Emo-Revival-Bands, aber keine haut Zuhörende so sehr aus den Socken wie Jail Socks.
8. Cold Reading – Zyt
Mit Zyt wagen die Luzerner Cold Reading ein Konzeptalbum zum Thema Zeit, das sie aber der kurzen Aufmerksamkeitsspanne moderner Musikhörender zuliebe als drei separate EPs zu Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft veröffentlichen. Inhaltlich geht es in diesen Songs kurz gefasst darum, die Vergangenheit hinter sich zu lassen, um in der Gegenwart die richtige Entscheidungen für die Zukunft zu treffen. Die musikalische Ursprünge der ersten EP Past Perfect gehen zurück in die 90er Jahre mit Emo-Bands wie Sunny Day Real Estate oder Mineral, während sich die Present Tense eher am zeitgenössischen Indie orientiert. Future Continuous, der letzte Teil, wird in der Zukunft, sprich Januar 2020, veröffentlicht. Die Single Tree Diagram lässt aber erahnen, dass hier wesentlich mehr elektronische Elemente vorhanden sein werden.
7. Dead Format – Write Your Own Story
Die Melodic-Hardcore-Band Dead Format kommt wie Avail aus Richmond, Virginia, musikalisch kommt sie aber an Lifetime viel näher. Wie diese beiden Bands findet sie auf den fünf Songs ihres Debuts die perfekte Balance zwischen Melodie und Härte. Write Your Own Story zeigt, dass dieser Stil auch in 2019 noch kein totes Format ist.
6. Sheena, Anika and Augusta – Simple Pleasures
Sheena Ozzella (Lemuria), Anika Pyle (Chumped, Katie Ellen) und Augusta Koch (Cayetana, Gladie) haben sich für die EP Simple Pleasures zusammengesetzt, um vier minimalistische Indie-Folk-Songs zu produzieren, die nicht ins musikalische Format ihrer Bands passen. Alle übernehmen auf je einem Lied Lead Vocals, bevor sie mit der a capella Nummer For Billy abschliessen. Es muss nicht immer lauter Indie-Punk sein, man kann auch Vergnügen an Stimmharmonien über einfache Melodien auf der akustischen Gitarre haben.
5. Annie Taylor – Not Yours
Nach einigen Singles präsentieren Annie Taylor, die Zürcher Indie-Band mit Grunge- und Psych-Rock-Einflüssen, ihre erste EP, die fünf neue Songs enthält. Das verträumte und verliebte Under Your Spell eröffnet die EP mit seinen verzerrten Gitarren und ist echter Ohrwurm. Songs wie S.L.E.E.P. haben ein Retro-Rock’n’Roll-Feeling, sie sind aber dank dem starken Pop-Songwriting von Frontfrau Gini Jungi & Co auch gewissermassen zeitlos.
4. Spanish Love Songs – Losers
Vor einigen Monaten teilten Spanish Love Songs auf ihrem Instagram-Kanal einige Memes zum Thema “Spanish Love Songs ripped off The Menzingers”, aber Songtexte wie my bleak mind says it’s cheaper to die auf der Single Losers sind öder als jeder Song auf On The Impossible Past. Trotzdem sind diese Memes nicht ganz falsch, beide Bands spielen schliesslich Melodic Punk mit einem erheblichen Springsteen-Einfluss. Losers klingt tatsächlich wie ein etwas härteres und düsteres Born to Run, die Protagonisten hier sind eben Losers und nicht bloss tramps. Auch die B-Side (No) Reason to Believe behandelt die deprimierende ökonomische Lage von Frontmann Dylan Slocum und seinem Umfeld, in der die kräftigen Melodien von Spanish Love Songs vielleicht für ein kleines bisschen Erlösung sorgen können.
3. Lucy Dacus – 2019 EP
Singer-Songwriterin der Stunde Lucy Dacus kann scheinbar nichts falsch machen, auch nicht ein Cover von Last Christmas. Dieses hat sie mit anderen Covers und Neukompositionen, die sie dieses Jahr zu verschiedenen Festtagen veröffentlicht hat, nun zu einer einzigen EP zusammengefasst. Von den Covers überzeugt Dancing in the Dark, das Dacus zum Geburtstag ihres Vaters aufgenommen hat, am meisten. Als sie I ain’t nothing but tired singt, kann man die Verzweiflung in ihrer Stimme hautnah spüren. Und falls jemand eine melancholische Tonspur für den Morgen nach der Silvesterparty braucht, ist Fool’s Gold perfekt geeignet.
2. Bacchae – Everything Ugly
Alle ihre Exen heiraten, kriegen Kinder und besitzen Häuser, während sie selbst überfordert und müde sind. Alles in ihrem Leben mag hässlich sein, aber die Gitarrenmelodien auf dieser neuen Single der Indie-Rocker Bacchae sind wunderschön. Ihr textlich melancholischer, musikalisch fröhlicher Power-Pop wäre auf einer Playlist neben R.E.M. oder den dB’s in bester Gesellschaft.
1. Mr. Linus – Revue
Mit ihrer Kombination aus klirrendem Post-Hardcore, deutschem Sprechgesang und soziopolitischem Bewusstsein sind Mr. Linus ein frischer Wind, der durch die Schweizer DIY-Musikszene weht. Und dies nicht in erster Linie, weil sie mit einem gesprochenen Max Frisch Zitat das Vinyl-Release ihres Debut-EPs beenden, eine willkommene Abwechslung in einer Punk-Welt, die mit Bukowski- und Kerouac-Referenzen gefüllt ist. Wie Frisch zu seiner Zeit plädieren Gitarristin Anna Clavadetscher und Bassistin Rebecca Schelling auf dem letzten Track Imaginé für Solidarität mit MigrantInnen. Dies ist vielleicht die eindeutigste Aussage der Band, die sich nicht mit einfachen Parolen zufrieden gibt und wirklich zum Nachdenken anregt. Wenn du zurückblickst, wirst du erkennen, dass alles was mal war, alles ist, was jemals sein wird, der Refrain im etwas poppigeren ersten Song Vongestern, kann beispielsweise als Aufbruchstimmung oder Verzweiflung interpretiert werden. Es muss sich etwas ändern, es klappt aber irgendwie aber nicht, und Mr. Linus zwingen Zuhörende, sich zu fragen, weshalb eigentlich nicht. Es ist auch erstaunlich, wie viele verschiedene Klänge in dieser 15-minutigen EP verpackt sind: Synthie dort, Breakdown da, wunderbar hört sich das an. Mr. Linus sind zurzeit eine der innovativsten Bands im deutschsprachigen Raum und deshalb muss ihr Debut an erster Stelle stehen, als wir über den besten EPs und Singles des Jahres Revue passieren lassen.
Top 25 LPs
25. Ellen and the Degenerates – Return of the Herb
Ellen and the Degenerates sollte man nicht nur wegen ihrem Bandnamen kennen, auch wenn er zu den weltweit besten gehört. Die Band aus Brooklyn spielt holprigen Punk mit versteckten Melodien und scharfzüngigen Texten. Die sarkastische, selbstdeprimierende Attitüde von Songs wie Beach Dumpster oder Dumb 2 Exist ist im Punk nicht unbedingt neu, aber Frontfrau Elena Barrio getraut sich, etwas rotziger und direkter als viele andere zu sein. Das Cover von Billy Idols Dancing With Myself macht ausserdem eine Menge Spass. Schade nur, dass der Spass nach nur 2 Alben schon vorbei ist. Ellen and the Degenerates haben nämlich kurz nach der Veröffentlichung von Return of the Herb ihre Auflösung ankündigt.
24. Clowns – Nature/Nurture
Die Australier Clowns spielen Hardcore-Punk mit stark verzerrten Gitarren und einem kleinen bisschen Rock’n’Roll-Attitüde. So sehnen sie sich auf Bland is the New Black, dem ersten Song ihres vierten Albums Nature/Nurture, nach Zeiten, als die Pop-Kultur noch gefährlich war. Sie haben aber durchaus auch relevantere Sorgen, auf Freezing in the Sun brüllt Frontmann Stevie Williams packer feeding daily depression as we watch the whole world fry. Trotz ihrem Name sind Clowns eben nicht zum Scherz hier.
23. The Run Up – In Motion
Bei The Run Up aus Bristol ging es 2019 effektiv steil nach oben, als sie innerhalb der europäischen Punk-Szene vom Geheimtipp zu Publikumslieblingen aufgestiegen sind. Tatsächlich waren sie dieses Jahr auch viel In Motion, sprich auf Tour, unter anderem haben sie nicht weniger als drei Mal in Zürich gespielt. Auf dem neuen Album befindet sich eine starke Gruppe von Songs, zu denen ihre Anhänger sehr gerne mitsingen werden. Die Gitarren von Charlie Parsons und Laurence Nelson erinnern etwa an Saves the Day, die Stimme von Frontmann Larry Bernhard ist aber viel eher mit Chuck Ragans als mit Chris Conleys vergleichbar. Die Lieder auf In Motion sind um einiges abwechslungsreicher als auf den vorherigen Releases von The Run Up. So geben sie auf dem ersten Song Portraits Vollgas, um dann auf Grip etwas langsamer und melodischer zu werden. An Songzeilen wie I feel like the luckiest person in the world sometimes erkennt man auch, dass die Bandmitglieder ihr Herz am rechten Fleck haben und ihren derzeitigen Erfolg zu schätzen wissen.
22. No Sugar – Rock’n’Roll Isn’t Boring, It’s You
No Sugar, eine neue Band aus ehemaligen Mitgliedern von Stumbling Pins, No Weather Talks und Plastic Propaganda, liefern entgegen ihrem Namen ein Debut-LP voller süsser Gitarrenmelodien ganz im Sinne der Ramones oder Blondies. Ihr “Anarcho-Rock’n’Roll” zeigt eine deutliche feministische Haltung, die aber auf Time’s Up und Pizza Girl* mit verspielten Vergleichen zu Kuchen respektive Pizza herübergebracht werden. Wenn man nach dem letzten Track Hidden, einer witzigen akustischen Nummer auf der Ukulele, immer noch gelangweilt ist, liegt es definitiv nicht an No Sugar.
21. Shoreline – Eat My Soul
Auf ihrer Debut-LP Eat My Soul betreten Shoreline aus Münster neue Ufer für den Emo-Punk im deutschsprachigen Raum. Hier arbeiten sie viel mehr mit langsameren Tempi und Laut/Leise-Wechseln als auf ihrer letztjährigen EP You Used to Be a Safe Place, die viel mehr nach klassischem Melodic-Punk klang. Frontmann Hansol Seung & Co. sind aber immer noch dieselben Sad Kids, und Songzeilen wie I’ll play my cards with the failure in sight aus Andre the Giant wirken zum Glück stets ehrlich und keineswegs erzwungen. Der explosive Refrain der zweiten Single Bent/Broken fährt sofort ein und erinnert etwa an Jimmy Eat World auf Futures. Wer Emo mit viel Seele mag, wird seinen musikalischen Hunger mit Eat My Soul bestens stillen können.
20. Slingshot Dakota – Heavy Banding
Keyboardistin Carly Comando und Schlagzeuger Tom Patterson sind nicht nur das Synthpop-Duo Slingshot Dakota, sondern auch ein verheiratetes Paar, wie man am Coverbild ihres vierten Albums Heavy Banding erahnen könnte. Während Patterson mit seinen donnernden Schlägen für eine Intensität, die in Pop-Songs selten ist, sorgt, hat Comando stets das volle Kommando über ihre Tasten. Sie schafft auf Songs wie Premeditated oder Louder dichte, vielschichtige Klangwelten, die auch von einer vierköpfigen Band stammen könnten, überzeugt aber auch auf dem leiseren, langsameren Casino Night, mit seinen markanten Orgel-Tönen. Mit den Pop-Perlen auf Heavy Banding katapultieren sich Slingshot Dakota eindeutig in die Stratosphäre der DIY-Musikwelt.
19. Cultdreams – Things That Hurt
Die Wut des Punks mit den sphärischen Klängen des Dream-Pops zu vereinigen, ist kein leichtes Unterfangen, aber genau dies gelingt dem englischen Duo Cultdreams auf dem zweiten Album Things That Hurt. Auf dem zweiten Track Not My Generation protestiert Gitarristin Lucinda Livingstone gegen Sexismus und andere Formen von Diskriminierung innerhalb der DIY-Musikszene, bevor die verzerrte Gitarre des Refrains ausbricht. David Bello und Katie Dvorak aus The World Is A Beautiful Place And I Am No Longer Afraid To Die, die vor etwa zwei Jahren mit Cultdreams auf Europatour waren, singen auf der ersten Single We Never Rest mit, auch sonst scheint ihr Post-Rock die neue musikalische Ausrichtung von Cultdreams zu beeinflussen. Born an Underdog, Still Living One heisst der erste Song auf We Never Rest, und dieses Album ist tatsächlich der perfekte Soundtrack für Aussenseiter in einer Welt, in der Boris Johnson Premierminister Grossbritaniens ist.
18. PUP – Morbid Stuff
Auf ihrem dritten Album Morbid Stuff liefern PUP noch mehr Songs über Angstgefühle, Alkohol und das Älterwerden und klingen dabei noch grösser und glänzender als je zuvor. Einige Fans werden vielleicht das Chaos und die Folk-Elemente der ersten zwei Alben vermissen, aber das Songwriting der vier Kanadier ist hier um einiges stärker geworden, man siehe den Title-Track oder Free at Last mit dem eindrücklichen Refrain just because your sad again, doesn’t make you special at all. Auf Scorpion Hill zeigt Steve Sladkowksi auch, dass er auf der Gitarre echt etwas drauf hat. Kanada produziert zurzeit unglaublich viele herausragende Punk-Bands (man siehe auf dieser Liste noch Pkew Pkew Pkew oder Mobina Galore), aber PUP ziehen bei Konzerten das mit Abstand grösste Publikum an, vermutlich, weil so viele junge Leute sich mit ihren Liedern identifizieren können. Morbid Stuff ist vielleicht auch das nächste an ein Dookie oder Smash, dass diese Generation hat.
17. Charly Bliss – Young Enough
Auf ihrem zweiten Album Young Enough tauschen die New Yorker Indie-Rocker den Grunge-Einfluss ihres Debuts Guppy gegen die Synthpop-Klänge der 80er. Ein solch radikaler Stilwechsel wird jeden beim ersten Hören schockieren und kann auch nicht jeder Band gelingen, dank dem äusserst intelligenten und detailliertem Songwriting von Charly Bliss funktioniert er auf Young Enough bestens. Selbst wenn sie auf Chatroom über traumatische Erlebnisse singt, scheint Frontfrau Eva Hendricks mit ihrer einzigartigen Helium-Stimme während dem ganzen Album jede Menge Spass zu haben. Diese Energie ist ansteckend und wenn sie auch beim nächsten Album erhalten bleibt, können Charly Bliss klanglich machen, was sie wollen. Sie sind schliesslich noch jung genug, um etwas zu wagen.
16. Mannequin Pussy – Patience
Man stelle sich mal vor, Hüsker Dü hätten 1986 New Day Rising und Flip Your Wig zu einem einzigen Album kombiniert. Dieser Vorstellung kommen Mannequin Pussy auf dem neuen Album Patience sehr nahe, hier wechseln sich nämlich rasende Hardcore-Nummern wie Cream mit sanften Pop-Kompositionen wie Drunk II ab. Letzteres ist ein Breakup-Song mit den unvergesslichen Zeilen I was so fucked up I forgot we were broken up, I still love you, you stupid fuck. Frontfrau Marisa Dabice kann mit ihrer Stimme eine unglaubliche Vielfalt an Emotionen herüberbringen, auch deshalb gelingt Mannequin Pussy der Stilwechsel weg vom reinen Hardcore im Vergleich zum Vorgänger-Album Romantic auf ihrem ersten Album für Epitaph Records so gut.
15. Prince Daddy & the Hyena – Cosmic Thrill Seekers
Auf ihrer Doppel-LP Cosmic Thrill Seekers schaffen Prince Daddy & the Hyena ein dreiteiliges Konzeptalbum über die zyklische psychische Verfassung ihres Frontmannes Kory Gregory. Dabei klingen sie wie NOFX auf LSD, als sie akustische Instrumente und Psychedelia ins Pop-Punk-Format integrieren. Untypisch für dieses Genre ist Cosmic Thrill Seekers auch keine leichte Kost mit Hits, bei denen man sofort mitsingen kann. Wer es aber wagt, das Album ein paar Mal als ganzes durchzuhören, wird auf eine der mitreissendsten und abwechslungsreichsten Reisen im Punk-Universum mitgenommen.
14. Dude York – Falling
Auf Falling präsentiert das Seattle-basierte Trio Dude York nostalgisch gefärbter Indie Rock mit deutlichem Einfluss der Klänge des Alt-Rock-Radios um die Jahrtausendwende. So zitiert Gitarrist Peter Richards auch direkt The Killers auf Box oder Smash Mouth auf Doesn’t Matter. Bassistin Claire England übernimmt das Gesang auf Should’ve, der lauteste und verzerrteste Song auf dem Album. Auf dem dem Title-Track fällt alles zusammen, was Falling auszeichnet: Englands sanfte Stimme, Richards klirrende Melodien und Texte, die sich nach besseren Zeiten mit der Musik von damals sehnt.
13. Telethon – Hard Pop
Auf Hard Pop mäandert Telethon aus Milwaukee, Wisconsin mit epischem Power-Pop inklusive vielen Keyboards, Trompeten und Streichern durch den Alltag im mittleren Westen der USA. Ihre Musik erinnert etwa an The Hold Steady oder Piebald, mit noch einer Extraportion Nerd-Humor dazu. Auf dem ersten Track Loser/That Old Private Hell heisst es beispielsweise being a loser’s a gift though it don’t seem like it now, und es gibt auch einen Song namens Time to Lean (This Whole Building Runs On Windows 98). Hier singt Frontmann Kevin Tully unter anderem über einen right wing dad, der sweet potato fries murmelt. Die Vielzahl solcher witziger Anekdoten verleihen diesem Album viel Charme, und Hard Pop ist auch äusserst eingängig, auch wenn es nur wenige traditionelle Refrains enthält. Telethon sind so stolz darauf, uncool zu sein, dass sie im letzten Track Manila auch noch einen Ska-Part einbauen.
12. Not On Tour – Growing Pains
Trotz ihrem Namen hat die israelische Band Not On Tour ganz viele Shows in ganz Europa gespielt… Ok, das war jetzt N.O.T. Funny, und so heisst auch der selbstironische fünfte Song auf Growing Pains. Not On Tour rasen auf dem neuen Album in nur 23 Minuten durch 19 Songs, ihr Hardcore-Punk erhält dank Production des Useless ID-Gitarristen Ishay Berger einen ordentlichen Schliff. Frontfrau Sima Brami wittert auf Witchhunt gegen religiöse Institutionen, auf Call It Freedom gegen Rassismus und auf Therapy gegen sich selbst. Ein furioses Statement einer Band, die nichts anderes kann, als Vollgas geben.
11. Pkew Pkew Pkew – Optimal Lifestyles
Optimal Lifestyles ist der Kater nach der Party, welche die kanadische Pop-Punks Pkew Pkew Pkew auf ihrem selbstbetitelten Debut-Album vor 3 Jahren geschmissen haben. Wie sie auf dem ersten Track Still Hanging out After All These Years zeugen, sind sie immer noch die same dumb kids, aber wer schon beim Vorglühen alles gibt, bekommt dies auch zu spüren. Produzent Craig Finn verleiht den neuen Songs einen volleren, ausgereifteren Klang, und die Persönlichkeiten auf dem herausragenden The Polynesian könnten auch aus einem Hold Steady Song kommen. Ein weiterer Höhepunkt ist das etwas langsamere Drinkin’ Days, auf dem Frontmann Mike Warne I hope we never have to change. Mit so vielen Ohrwurm-Riffs und Stimmharmonien müssen Pkew Pkew Pkew vorerst auch nichts ändern, auch wenn der Albumtitel Optimal Lifestyles natürlich ironisch gemeint ist und sie selbst ahnen, dann sie irgendwann im Suff ertränken werden.
10. Harmony Woods – Make Yourself at Home
Mit ihrem zweiten Album Make Yourself at Home präsentiert die noch junge Singer-Songwriterin Sofia Verbiilla alias Harmony Woods ein weiteres Indie-Rock Meisterwerk aus dem DIY-Mekka Philadelphia. Musikalisch macht Verbilla mit ihrem atmosphärischen Emo-Pop-Punk dort weiter, wo Modern Baseball 2017 aufgehört haben, sie kann aber viel schöner singen als Jake Ewald oder Brendan Lukens. Die Texte auf Make Yourself at Home behandeln den Verlauf einer toxischen Beziehung mit viel Menschlichkeit und einem feinen Auge fürs Detail. Der dritte Track The City’s Our Song könnte noch als Liebeslied passieren, spätestens bei Burden ist es aber klar, dass das Gegenüber der Protagonistin auf diesem Album gar nicht gut tut. Make Yourself at Home bestätigt, was schon auf dem Debut Nothing Special vor zwei Jahren klar war: Harmony Woods ist etwas ganz besonderes.
9. Petrol Girls – Cut & Stitch
Auf ihrem zweiten Album Cut & Stitch bringt die feministische Post-Hardcore Band Petrol Girls dringend nötigen Zündstoff in die europäische Punk-Szene. Sängerin Ren Aldrigde und Gitarrist Joe York komme aus England, Bassistin Liepa Kuraité aus Litauen und Schlagzeuger Zock Astpai aus Österreich, auf No Love for a Nation, das Cut & Stitch auch dein Titel verleiht, rechnen sie jedoch komplett mit dem Konzept von Nationen ab. Zwischen lauten, kantigen Gitarrenstücken befinden sich auf Cut & Stitch auch einige gesprochene Interludes, auf denen Aldridge die Botschaften des Albums unterstreicht und Zuhörende zum Nachdenken anregt. Auf Big Mouth bauen Petrol Girls auch noch ein X-Ray Spex-Sample ein und stossen damit an weitere Grenzen, was innerhalb des Punks möglich ist. Cut & Sitch ist ein moderner Klassiker, anders kann man es nicht sagen.
8. Nervus – Tough Crowd
Auf Tough Crowd machen Nervus aus Watford Emo, der nach Aussen statt nach Innen blickt. Die Wut und Melancholie, die mit den Genre assoziiert sind, existieren auch auf Tough Crowd, nur sind sie hier durch Fachismus und Klimakrise, und nicht einem gebrochenen Herzen, verursacht. Paul Etienne eröffnet They Don’t mit einem subtilen Keyboard-Motiv, dann krachen die Gitarren, als sich Frontfrau Em Foster lautstark gegen Polizeigewalt ausspricht. Mit durchdachten Songzeilen wie borders couldn’t stop the rising sea im letzten Song Where’d You Go werfen Nervus einen umfassenden, kritischen Blick auf die Machtsysteme unserer Welt, der mit einer donnernden, vielschichtigen Tonspur untermauert wird.
7. Mobina Galore – Don’t Worry
Das kanadische Duo Mobina Galore mit Gitarristin Jenna Priestner und Schlagzeugerin Marcia Hanson beschreibt ihre eigene Musik als “vocally aggressive power chord punk”, und auf dritten Album klingt dieser besser als je zuvor. Priestner hat nämlich bei den Gitarrentönen die goldene Mitte gefunden zwischen dem polierten ersten Album Cities Away und dem raueren Nachfolger Feeling Disconnected, an dem die Band im Song Completely Disconnected inhaltlich anschliesst. Dieser gehört zu den härteren und schnelleren Stücken auf einem Album, das mit Back to the Beginning oder Oh Irene auch langsamere Power-Pop Songs enthält. Auch der akustische Abschlusstrack Four Hours of Sleep trägt dazu bei, dass Don’t Worry das bisher abwechslungsreichste Mobina Galore-Album ist. Sie singen zwar immer noch über Gefühle der Angst uns Abschottung, auf I Need to Go Home heisst es dennoch your best is yet to come, man sollte sich bloss keine Sorgen machen.
6. Martha – Love Keeps Kicking
Martha aus England spielen Indie-Punk mit einem mehr als nur kleinen Replacements-Einfluss, ihr letztes Album Blisters in the Pit of My Heart enthielt einen Song namens St. Paul’s (Westerberg Comprehensive). War dieses Album ihr Tim, ist Love Keeps Kicking ihr Pleased To Meet Me. Sprich: ein bisschen weniger Punk, ein bisschen mehr Indie. Martha bezeichnen sich selbst als Anarchisten, ihrem leicht zugänglichen Power-Pop hört man dies aber nicht unbedingt an. Mit dem ersten Song Heart is Healing können sich wohl alle Zuhörende identifizieren, und die Harmonien im Refrain sind auch für jedes Ohr angenehm. Ein weiteres Highlight ist Into This, auf dem Bassistin Naomi Griffin die Lead-Vocals übernimmt. In einem alternativen Universum könnte aber eigentlich jedes Lied auf Love Keeps Kicking ein Hit sein.
5. Ramona – Deals! Deals! Deals!
Auf ihrem ersten Album Deals! Deals! Deals! zeigt die Philadelphia-basierte Band Ramona als grosse neue Hoffnung im Melodic Punk. Das doppelte Gesang von Gitarrist Diego Medrano und Bassistin Abby Vigderman erinnert an die Lawrence Arms, während ihre intime, ehrliche Songtexte eindeutig Richtung Emo gehen. Witzige Songtitel wie Jet Fuel Can’t Melt Steel Hearts bleiben genauso in Erinnerung wie die grossartige Hooks, die in wirklich jedem Lied hier vorhanden sind. Der beste Song auf Deals! Deals! Deals! ist gut möglich der zweitletzte, Getting Better. Hier sorgt Vidgdermans raue, verzweifelte Stimme über einem einfachen Gitarrenmotiv für ein Moment der puren Emotion, der selbst im Emo relativ selten ist.
4. Überyou – Night Shifts
Die Zürcher Lokalhelden Überyou haben auf Bühnen von Kuba bis Indonesien gespielt und auf den Böden der Welt geschlafen. Mit Night Shifts präsentieren sie nun ein Meisterwerk des Melodic Punks, das allem aus Chicago, Gainesville oder Minneapolis das Wasser reichen kann. Im vergleich zu anderen aus ihrem Genre bringen sie aber etwas mehr Hardcore-Einflüsse und eine optimistischere Einstellung in ihre Songs, beispielsweise im herausragenden zweiten Track Survivors mit dem Refrain as long as your breathing, gotta keep on believing. Weitere Höhepunkte sind Taking Chances und Shine Down, einen schlechten Song gibt es hier aber nicht, auch wenn alle nach demselben Rezept von grossen, eingängigen Strophen und noch grösseren, noch eingängigeren Refrains aufgebaut sind. Diese Songs funktionieren aber auch am besten in einer Live-Umgebung, wo Überyou sowieso zu den Überzeugendsten überhaupt gehören. Lange Nächte mit guten Freunden und guter Musik sind für diese Band nämlich auch das wichtigste, wie der Albumtitel Night Shifts bereits andeutet.
3. Little Teeth – Redefining Home
Auf Redefining Home scheint Cory Call, ehemaliger Wild American Runner bei Arliss Nancy, seine Greater Divides mindestens grösstenteils zu überwunden haben. Wegen der Liebe von Colorado nach München gezogen, schafft er hier zusammen mit Gitarrist Jason Thompson (The Sky We Scrape), Bassist Maximilian Philipp (Captain Asshole) und Schlagzeuger Bastian Wegner eine Sammlung von hoffnungsvollen Punk-Hymnen, die stilistisch etwa an Jawbreaker oder Against Me! auf White Crosses erinnern. In dieser neuen Konstellation sind der Herzschmerz und die Country-Einflüsse, welche Calls Alben mit Arliss Nancy geprägt haben, so gut wie verschwunden, seine Whiskey-getränkte Stimme bleibt aber als einzigartiges Merkmal. Neben vielen Liebesliedern findet man auf Redefining Home den herausragenden Song Bender, eine erstaunlich ehrliche und direkte Erzählung aus der Perspektive eines Freundes Calls, der sein Leben genommen hat. Auf diesen tragischen Song folgt das treibende Riff in Amphetamine, das neben der ersten Single Thinning Out zu den Höhepunkten des Albums gehört. In einem Jahr, in dem das neue Menzingers-Album für Viele eher enttäuschend war, zeigen Little Teeth auf Redefining Home, wo es mit dieser Art Punk-Rock weitergeht.
2. Proper. – I Spent the Winter Writing Songs About Getting Better
Nach der Namensänderung von Great Wight zu Proper. hat die Band aus Brooklyn im Juli ohne Vorankündigung eines der stärksten und innovativsten Alben des Jahres herausgebracht. Sie vermischen Emo und Punk mit wesentlichen Hip-Hop-Einflüssen, beispielsweise auf dem entsprechend betitelten A$AP Rocky Type Beat. Frontmann Erik Garlington besitzt ein feines Auge für Detail, als er im Sprechgesang über seine Rolle als Musiker, das Verhältnis zur Familie, oder den Rassismus, den er erlebt, reflektiert. Seine Geschichten erzählt er stets mit viel Nuancen, Proper. zeigen aber auf dem als Radiointerview gestaltete New Years Resolutions auch eine eindeutige Haltung gegen Sexismus und Transphobie. Proper. zeigen ihren Zuhörenden auf I Spent the Winter Writing Songs About Getting Better, das man verbessern kann, was noch nicht gut ist, sei es am System oder an sich selbst.
1. Potty Mouth – SNAFU
Auf SNAFU (Situation Normal All Fucked Up) liefern Potty Mouth glänzende Pop-Songs mit purer Punk-Attitüde. Ursprünglich mit einem Major-Label-Vertrag ausgestattet, entschieden sich Potty Mouth, das neue Album auf Get Better Records, dem DIY-Label der Bassistin Ally Einbinder und ihres Partners Alex Lichtenauer (Control Top), zu veröffentlichen, um es genau nach ihrem Wunsch zu gestalten. Auf diese negativen Erfahrungen mit den Labelchefs geht Frontfrau Abby Weems auch auf Smash Hit ein. Trotzdem klingen die Instrumente auf SNAFU sehr geschliffen, viele dieser Songs würden bestens in die Arena oder aufs Radio passen. Auf 22 stellt sich Weems ähnliche Fragen über das Erwachsenwerden wie Blink-182 auf What’s My Age Again?, allerdings ohne Flitzen oder Scherzanrufe, während Starry Eyes dem gleichnamigen Song von The Records musikalisch und textlich erstaunlich nahe ist. Es gibt zurzeit viele Punk-Bands, die gerne ihre poppige Seite zeigen, aber keiner gelingt es so gut oder kompromisslos wie Potty Mouth auf SNAFU.
